Blog 1 - Introducción al autor

Pintor, pianista, poeta y dramaturgo, Federico García Lorca nació en 1898 en Fuente Vaqueros, un pueblo cerca de Granada, España en el sur del país. Su padre fue un campesino rico con tierra en el campo afuera de la ciudad de Granada. Su madre fue una maestra y pianista talentosa con un atento constantemente a su familia y hacienda. “La señora, que había recibido la educación esmerada – para emplear un vocablo propio de la época y del medio – de las señoritas españolas, sintió desde niña inclinación hacia la poesía y, especialmente, hacia la música. (Guardia, Alfredo de la, 41) Ambos podían representar bien la ciudad y el campo y la importancia de trabajar, estudiar y apreciar la región andaluza. Todos estos ideales son presentes en sus poemas y ayudan caracterizar el poeta. 

Federico Garcia Lorca

            En su adolescencia, García Lorca preferiría la música y el teatro mas que el poesía. En 1909, cuando tenía 11 anos, su familia mudó a Granada pero durante el resto de su vida el mantenía una buena relación y apreciación para la tierra y la naturaleza que caracterizado su crianza. En 1914, el matriculó en la Universidad de Granada para estudiar el derecho y filosofía. Aquí, con su profesor de literatura, Domínguez Berrueta, el viajaba a ciudades por España. Estos viajes distintos le influyeron mucho y fueron la inspiración para su primer libro Impresiones y Paisajes, un libro con temas políticos y comentarios estéticos del país. En 1919, con un grupo de otros estudiantes dotados, el se mudó a Madrid para asistir la Residencia de Estudiantes. La Residencia fue una habitación o centro para estudiantes de las ciencias y los artes creado para fomentar creatividad y innovación. Muchos de los residentes fueron considerados los lideres de la cultura española en el siglo 20 y incluyeron Salvador Dalí, Luis Buñuel y muchas otras. Durante su tiempo en la Residencia, el pasó mucho tiempo con Juan Ramón Jiménez, un poeta que le influyó mucho. Durante este periodo, el estrenó El Maleficio de la Mariposa (1920), su primer pieza teatral sobre un amor imposible entre una mariposa y una cucaracha. Esta obra fue un fracaso pero ilustró un tema importante (frustración sexual) para García Lorca. En los próximos años, el comenzaba enfocar en su poesía y publicó unas de sus obras mas conocidos. En 1927 el completó Canciones y en 1928 publicó Romancero Gitano, un colección de poesía que tenía gran éxito.

            Este periodo en su vida fue muy importante porque coincide con el nacimiento del generación del 27. En 1927, se reúnen varios poetas españoles en Sevilla para celebrar el aniversario de la muerte de Luis de Góngora, un poeta española del Siglo de Oro quien influyó la poesía de García Lorca en muchas maneras. Para muchos, esta reunión marcó el origen de la generación del 27 en la que se incluyen escritores como Jorge Guillén, Pedro Salinas, Rafael Alberti, Gerardo Diego, Vicente Aleixandre, y Emilio Prados. La generación fue caracterizado por un mezcla entre tradición y vanguardismo y sobre todo un énfasis en el surrealismo. Aunque García Lorca (y los otros autores de la generación) quería encontrar y usar nuevas formas de poesía (como “poesía impura” con versos libres) todos no rompían completamente con los tradiciones y continuaban ser influidos por autores clásicos (por Luis de Góngora por ejemplo) y usar formas populares. Pero principalmente, el surrealismo ejercen gran influencia en la generación del 27. Los escritores surrealistas exploraban el mundo de lo inconsciente y pretenden alcanzar la belleza absoluta, que está por encima de la realidad. En general, no hay un estilo particular de los autores pero el contenido consiste de un ¨equilibrio¨ entre lo intelectual y el sentimental y sobre todo es caracterizado por el uso de la metáfora. “Era natural que en una poesía que aspiraba a deformar la realidad, a eludirla, la metáfora dejara de ser un componente, entre otros, del poema, para convertirse en su espina dorsal, en su misma razón de ser.¨ (Generación del 27 Class Handout, 28) Para los autores de la generación con intenciones estéticas que querían representar la realidad sin describirla, la metáfora es la herramienta para hacerlo. 

Generación del 27

Necesito notar que hay algunas personas que no están de acuerdo con el nombre ¨Generación del 27¨ y la clasificación del grupo como una generación. Según a algunos estudiosos, el grupo de autores no cumplen los criterios de Julius Peterson para ser clasificado una ¨generación.¨ Estos criterios incluyen una proximidad de los años de nacimientos de los miembros, una educación compartida o similar (especialmente en relación a los elementos formativos), relaciones entre los miembros, experiencias generacionales y una lenguaje generacional. No quiero discutir la legitimidad de esta clasificación en este ensayo, pero quiero reconocer la legitimidad del debate.

En 1929, con la ayuda de sus padres, García Lorca viajó a Nueva York (y eventualmente Cuba) para asistir Colombia University y estudiar Ingles. Aquí, el aprendió mucho sobre la cultura de América y identificó con los marginados de sociedad, en particular con los negros y su lucha contra discriminación y opresión. Como un homosexual, García Lorca exploraba los temas de alienación y aislamiento en su poesía y su experiencia en una ciudad como Nueva York con la gente al margen le daba mucho para discutir en sus poemas. Su colección de poemas llamado Una Poeta en Nueva York explora estos temas y ofrece perspicacia sobre nuestra cultura por los ojos de un extranjero.

Blog 2 - Introducción a sus obras

“En su país y época García Lorca se destaca por su arte eclético – arte que combina lo mejor de varias tendencias. Aunque ligadas al estilo superrealista vigente – que ofrece un mundo aparte representado a través de imágenes oníricas imprevistas, desordenadas y aparentemente incongruentes – las creaciones lorquianas oscilan entre una realidad bien concreta y la fantasía.” (Federico García Lorca Class Handout, 220)

La dificultad de hablar del estilo literario de García Lorca es un testimonio de la complejidad y originalidad de sus obras. Su estilo, como lo de muchos otros, evolucionaban durante su vida. Principalmente, el tiene, en su poesía, dos momentos o etapas. El estilo de sus primeros obras se acerca mas al estilo tradicional con mucha influencia de la canción lirica del Siglo de Oro, el Romancero y las canciones infantiles y versificación clásico. Con el desarrollo de su trabajo y su inclusión de otros temas profundos (como el amor y la soledad) el comenzaba demonstrar un estilo mas vanguardista y surrealista caracterizado por el uso de la metáfora y la imagen. Pero después de una investigación de su colección de poesía, Poeta en Nueva York, es evidente que una clasificación de su estilo como surrealista no es suficiente. En general, “what the surrealists wanted to achieve was the state of mind they called surreality, which may be defined as a condition where all divisions between the conscious and the subconscious are removed” (Harris, 11). 

La persistencia de la memoria

Pero en mi opinión, el estilo de Garcia Lorca es una variación de surrealismo que es muy interactivo y influido por su experiencias. Según, Derek Harris en su investigación de Lorca y Poeta en Nueva York, “Lorca takes the freedom of image formation developed by surrealism and utilises this to produce a means of expression of great richness, immense subtlety and enormous emotional power” (Harris, 69). García Lorca le da un elemento intimo y personal a su surrealismo que lo distingue del entendimiento popular de surrealismo. Por ejemplo, en “El Rey de Harlem” García Lorca usa imágenes de la fantasía o de unos sueños, como alguien con una cuchara arrancando los ojos de un cocodrilo y un viejo cubierto de setas para comentar sobre el estado de inferioridad de los negros Americanos en Nueva York y sobre todo, para relacionar su lucha como un homosexual con la de ellos. 

Blog 3 - Su trabajo (continuado)

“He is, to begin with, an elegiac poet who looks beyond presence into absence, often evoking not what is, but what is not, what was, or what might have been. Lorca is a poet of desire, rather than love; of longing rather than fulfillment.” (A Companion To, 16)

Temáticamente, hay un gran variedad de contenido en las obras de García Lorca. El discute varios temas sobre el humano y la relación del humano con la sociedad y la tierra. En los primeros fases de su trabajo, el escribió sobre España, y en particular sobre Andalucía. En su libro Impresiones y Paisajes, el celebra la cultura de España y ilustra la belleza de los paisajes del país. Después en sus obra Poema del cante jondo y Romancero gitano, el continua enfocar en España, pero concentra en la región de Andalucía, la región de su adolescencia que tenía mucha influencia en su poesía. En estés colecciones de poemas y baladas, el investiga la cultura gitana en este región y su historia de opresión y marginalización. “ ‘Although [my book] is called Gypsy, the book as a whole is the poem of Andalusia,’ Lorca wrote years later, ‘and I called it Gypsy because the Gypsy is the loftiest, most profound and aristocratic element of my country, the most deeply representative of its mode, the very keeper of the glowing embers, blood, and alphabet of Andalusian and universal truth’ " (Bonaddio, 27). 

La Alhambra

            Mientras García Lorca maduraba como un poeta y una persona, el comenzaba expandir su foco y escribió mas sobre el humano en general con un interés  de los grandes asuntos del Hombre, como el amor y el deseo, la muerte, el destino y la alienación. Como un homosexual en una sociedad y mundo heterosexual, para todo su vida, el existía como una persona marginada y excluida. Sus sentimientos y frustración sobre esta realidad forman una gran parte de los ideas y temas que caracterizan su poesía. En su mente, el amor ideal no existe y el mundo consiste de deseos falsos y insatisfechos. Como una causa de su viaje a Norteamérica, el obtuvo una perspectiva global sobre la injusticia social. En su libro Poeta en Nueva York, el comenta sobre la deshumanización de Norteamérica y critica la sociedad mecánica y capitalista que promociona la injusticia de los raíces inferiores (los negros). Sus criticas y pensamientos sobre el estado de sociedad revelan mucho sobre humanidad y también en mi opinión, representan la lucha de Lorca para encontrar y entender su identidad. 

Blog 4 - Análisis de "Romance de la casada infiel"

Romance de la casada infiel

Y que yo me la lleve al río

creyendo que era mozuela,

pero tenía marido.

Fue la noche de Santiago

y casi por compromiso.

Se apagaron los faroles

y se encendieron los grillos.

En las últimas esquinas

toqué sus pechos dormidos,

y se me abrieron de pronto

como ramos de jacintos.

El almidón de su enagua me

sonaba en el oído,

como una pieza de seda

rasgada por diez cuchillos

Sin luz de plata en sus copas

los árboles han crecido,

y un horizonte de perros

ladra muy lejos del río.

Pasadas las zarzamoras,

los juncos y los espinos,

bajo su mata de pelo

hice un hoyo sobre el limo.

Yo me quité la corbata.

Ella se quitó el vestido.

Yo el cinturón con revólver

Ella sus cuatro corpiños.

Ni nardos ni caracolas

tienen el cutis tan fino,

ni los cristales con luna

relumbran con ese brillo.

Sus muslos se me escapaban

como peces sorprendidos,

la mitad llenos de lumbre,

la mitad llenos de frío.

Aquella noche corrí

el mejor de los caminos,

montado en potra de nácar

sin bridas y sin estribos.

No quiero decir, por hombre,

las cosas que ella me dijo.

La luz del entendimiento

me hace ser muy comedido.

Sucia de besos y arena,

yo me la lleve del río.

Con el aire se batían las

espadas de los lirios.

Me porté como quien soy.

Como un gitano legítimo.

La regalé un costurero

grande de raso pajizo,

y no quise enamorarme

porque teniendo marido

me dijo que era mozuela

cuando la llevaba al río.

El poema, “Romance de la casada infiel” sobre un gitano enamorarse de una mujer casada con la que tiene relaciones sexuales, está compuesto por 55 versos con rima asonante (i – o) en los impares y no en los pares. Los versos son endecasílabos y octosílabos. El poema pertenece al libro Romancero gitano (1928) que contiene poemas dedicados a la idealización de la raza gitana y sus costumbres.

El poema discute y revela la frustración que tenía Lorca sobre su sexualidad y su deseo ser heterosexual. Aquí en su poema, el presenta un cuento hyper-erotico y machista sobre un encuentro sexual entre un gitano y una mujer. Durante todo el poema, el crea y desarolla un sentido masculino. El narrador es un gitano que no solo está narrando su experiencia pero está presumiendo su triunfo sexual a sus compadres para mostrar que el esta un “gitano legitimo.” El poema empieza con “Y” que indica el cuento ya empezado. El uso de un plenitud de encabalgamientos (cada dos líneas) da un ritmo al romance y nos mueve con la acción. Como siempre (particularmente en sus obras de Romancero gitano) el incorpora imágenes de la naturaleza de Andalucía. Con cada acción sexual entre los dos, Lorca incorpora imágenes o metáforas de la naturaleza.

En las últimas esquinas

toqué sus pechos dormidos,

y se me abrieron de pronto

como ramos de jacintos.

Aquí, el compara los pechos invitados de su amante con los jacintos de la tierra. Luego en el poema, el ilustra el ambiente de su camino mientras ellos quitan su ropa. La clímax del poema está marcado por una gran declaración de su triunfo sexual usando la imagen un caballo de nácar.

Aquella noche corrí

el mejor de los caminos,

montado en potra de nácar

sin bridas y sin estribos.

No quiero decir, por hombre,

las cosas que ella me dijo.

Esta metáfora, de un “montado en potra de nácar” simboliza el acto sexual y su censura de los detalles contribuya al aire de arrogancia y orgullo. Además, para terminar el poema Lorca narra el rechazo del gitano a enamorarse con la mujer que demuestra la superioridad del gitano y comenta sobre un fenómeno muy relevante en su propio vida, el fenómeno de amor imposible o falso.

En conclusión, en mi opinión Lorca escribió este poema para critica de la falsedad de los códigos sociales. En la sociedad contemporáneo, la idea de amor verdadero permea todo pero en su opinión, y según su experiencia como un homosexual, este creencia no tiene sentido. La exageración de la sexualidad heterosexual en el poema con un final sin amor representa esta inconsistencia entre la realidad de sociedad y lo que todos crean sobre el amor y el deseo en la sociedad.

Blog 5 - Análisis de "El Rey de Harlem"

El rey de Harlem

Con una cuchara
arrancaba los ojos a los cocodrilos
y golpeaba el trasero de los monos.
Con una cuchara.

Fuego de siempre dormía en los pedernales,
y los escarabajos borrachos de anís
olvidaban el musgo de las aldeas.

Aquel viejo cubierto de setas
iba al sitio donde lloraban los negros
mientras crujía la cuchara del rey
y llegaban los tanques de agua podrida.

Las rosas huían por los filos
de las últimas curvas del aire,
y en los montones de azafrán
los niños machacaban pequeñas ardillas
con un rubor de frenesí manchado.

Es preciso cruzar los puentes
y llegar al rubor negro
para que el perfume de pulmón
nos golpee las sienes con su vestido
de caliente piña.

Es preciso matar al rubio vendedor de aguardiente
a todos los amigos de la manzana y de la arena,
y es necesario dar con los puños cerrados
a las pequeñas judías que tiemblan llenas de burbujas,
para que el rey de Harlem cante con su muchedumbre,
para que los cocodrilos duerman en largas filas
bajo el amianto de la luna,
y para que nadie dude de la infinita belleza
de los plumeros, los ralladores, los cobres y las cacerolas de las cocinas.

¡Ay, Harlem! ¡Ay, Harlem! ¡Ay, Harlem!
No hay angustia comparable a tus rojos oprimidos,
a tu sangre estremecida dentro del eclipse oscuro,
a tu violencia granate sordomuda en la penumbra,
a tu gran rey prisionero, con un traje de conserje.

*

Tenía la noche una hendidura
y quietas salamandras de marfil.
Las muchachas americanas
llevaban niños y monedas en el vientre,
y los muchachos se desmayaban
en la cruz del desperezo.

Ellos son.
Ellos son los que beben el whisky de plata
junto a los volcanes
y tragan pedacitos de corazón
por las heladas montañas del oso.

Aquella noche el rey de Harlem,
con una durísima cuchara
arrancaba los ojos a los cocodrilos
y golpeaba el trasero de los monos.
Con una cuchara.
Los negros lloraban confundidos
entre paraguas y soles de oro,
los mulatos estiraban gomas, ansiosos de llegar al torso blanco,
y el viento empañaba espejos
y quebraba las venas de los bailarines.

Negros, Negros, Negros, Negros.

La sangre no tiene puertas en vuestra noche boca arriba.
No hay rubor. Sangre furiosa por debajo de las pieles,
viva en la espina del puñal y en el pecho de los paisajes,
bajo las pinzas y las retamas de la celeste luna de cáncer.

Sangre que busca por mil caminos muertes enharinadas y ceniza de nardos,
cielos yertos, en declive, donde las colonias de planetas
rueden por las playas con los objetos abandonados.

Sangre que mira lenta con el rabo del ojo,
hecha de espartos exprimidos, néctares de subterráneos.
Sangre que oxida el alisio descuidado en una huella
y disuelve a las mariposas en los cristales de la ventana.

Es la sangre que viene, que vendrá
por los tejados y azoteas, por todas partes,
para quemar la clorofila de las mujeres rubias,
para gemir al pie de las camas ante el insomnio de los lavabos
y estrellarse en una aurora de tabaco y bajo amarillo.

Hay que huir,
huir por las esquinas y encerrarse en los últimos pisos,
porque el tuétano del bosque penetrará por las rendijas
para dejar en vuestra carne una leve huella de eclipse
y una falsa tristeza de guante desteñido y rosa química.

*

Es por el silencio sapientísimo
cuando los camareros y los cocineros y los que limpian con la lengua
las heridas de los millonarios
buscan al rey por las calles o en los ángulos del salitre.

Un viento sur de madera, oblicuo en el negro fango,
escupe a las barcas rotas y se clava puntillas en los hombros;
un viento sur que lleva
colmillos, girasoles, alfabetos
y una pila de Volta con avispas ahogadas.

El olvido estaba expresado por tres gotas de tinta sobre el monóculo,
el amor por un solo rostro invisible a flor de piedra.
Médulas y corolas componían sobre las nubes
un desierto de tallos sin una sola rosa.

*

A la izquierda, a la derecha, por el Sur y por el Norte,
se levanta el muro impasible
para el topo, la aguja del agua.
No busquéis, negros, su grieta
para hallar la máscara infinita.
Buscad el gran sol del centro
hechos una piña zumbadora.
El sol que se desliza por los bosques
seguro de no encontrar una ninfa,
el sol que destruye números y no ha cruzado nunca un sueño,
el tatuado sol que baja por el río
y muge seguido de caimanes.

Negros, Negros, Negros, Negros.

Jamás sierpe, ni cebra, ni mula
palidecieron al morir.
El leñador no sabe cuándo expiran
los clamorosos árboles que corta.
Aguardad bajo la sombra vegetal de vuestro rey
a que cicutas y cardos y ortigas tumben postreras azoteas.

Entonces, negros, entonces, entonces,
podréis besar con frenesí las ruedas de las bicicletas,
poner parejas de microscopios en las cuevas de las ardillas
y danzar al fin, sin duda, mientras las flores erizadas
asesinan a nuestro Moisés casi en los juncos del cielo.

¡Ay, Harlem, disfrazada!
¡Ay, Harlem, amenazada por un gentío de trajes sin cabeza!
Me llega tu rumor,
me llega tu rumor atravesando troncos y ascensores,
a través de láminas grises,
donde flotan sus automóviles cubiertos de dientes,
a través de los caballos muertos y los crímenes diminutos,
a través de tu gran rey desesperado
cuyas barbas llegan al mar.

“El Rey de Harlem” por Federico García Lorca es un poema sobre la situación social de los negros americanos en Harlem. Es un poema sin patrón con versos libres y está formado por 23 estrofas de tres, cuatro, cinco, seis, nueve, diez y doce silabas. El poema ilustran la situación de discriminación que padecen los negros americanos y es usado por Lorca como un vehículo para mover a acción los negros La presencia de la anáfora “Negros, Negros, Negros, Negros” refuerza este llamamiento y sirve para juntarse los negros para rechazar los tiranos y escapar la opresión.

En el poema, Lorca describe el conflicto dentro de la sociedad entre la naturaleza y la modernización. En una conferencia pronunciada en 1932, Lorca describe a los negros de Harlem como personas llenas de fe, religión y espiritualidad: “Pese a quien pese, son lo mas espiritual y delicado de aquel mundo. Porque creen, porque esperan, porque cantan y porque tienen una exquisita pureza religiosa que los salva de todos sus peligrosos afanes actuales” (Un poeta de Nueva York Speech, Handout 170). En este poema Lorca quiere denunciar la civilización contemporánea (tal como queda representada en Nueva York) y mostrar las implicaciones sociales  de una sociedad ultra-capitalista y mecánica (una sociedad sin espíritu). 

me llega tu rumor atravesando troncos y ascensores,

a través de láminas grises,

donde flotan sus automóviles cubiertos de dientes,…

Según a Lorca, el aumento de la tecnología y la industria (representado por los troncos y ascensores, etc.) en los Estados Unidos resultaron en una obsesión de ganar dinero, una avaricia, y eventualmente una disposición para deshumanizar los pobres (los negros).

Primero, Lorca describe la degrada situación de los negros en Harlem y los efectos de esta tipa de sociedad.

¡Ay, Harlem! ¡Ay, Harlem! ¡Ay, Harlem!

No hay angustia comparable a tus rojos oprimidos,

a tu sangre estremecida dentro del eclipse oscuro,

a tu violencia granate sordomuda en la penumbra,

a tu gran rey prisionero, con un traje de conserje.

Aquí, Lorca simpatiza con la situación social de los negros y ilustra su dolor y sufrimiento como causa de la civilización capitalista y la implicación de su sangre que les condena a un posición de inferioridad. Además, en la primera estrofa del poema, Lorca marca la asociación de lo mecánico (cuchara) con la violencia y tragedia. Lorca describe una escena en que la cuchara se convierte en un instrumento de muerte.

La discriminación y maltratamiento que los negros americanos han sufrido (y también, la perdida de su identidad)  fue el resultado de esta obsesión y según a Lorca, requiere una convocatoria (de los negros americanos) para reclamar su identidad y libertad.

Hay que huir,
huir por las esquinas y encerrarse en los últimos pisos,
porque el tuétano del bosque penetrará por las rendijas
para dejar en vuestra carne una leve huella de eclipse
y una falsa tristeza de guante desteñido y rosa química.

Aquí, el sugiere que los negros deben escapar de la sociedad mecanizada y relacionar mas con la naturaleza. Harlem se transforma en una civilización “progresivo” y industriado que desconoce la naturaleza. El poeta invita al negro de Harlem a desatarse de esta sociedad mecanizada y recobrar una libertad espiritual.

            En las palabras de Lorca: “Yo quería hacer el poema de la raza negra en Norteamérica y subrayar el dolor que tienen los negros de ser negros en un mundo contrario, esclavos de todos los inventos del hombre blanco y de todas sus maquinas, con el perpetuo susto de que se les olvide un día encender la estufa de gas o guiar el automóvil o abrocharse el cuello almidonado o clavarse el tenedor en un ojo” (Un poeta en Nueva York Speech Handout, 171).  En conclusión, por su investigación sobre la situación social de los negros, Lorca revela mucho sobre el dolor que el tiene como un homosexual en un mundo contrario. En mi opinión, su ferocidad como un defensor de los marginados en Nueva York revela mucho sobre el carácter del poeta. Aunque no había un defensor para su lucha como un homosexual, el decidió hacer el papel para su camaradas de Harlem.

                                                                                       

Blog 6 - Su muerte

            Después de su tiempo en Norteamérica, Lorca regresó a España durante la caída de la dictadura de Primo Rivera y el restablecimiento del Republico. Su retorno marcó el principio de un periodo en su vida devotada al teatro. En 1931, el fue nombrado el director del Teatro Universitario la Barraca, un grupo de teatro universitario de carácter ambulante y orientación popular. Después de su experiencia en Nueva York, el continuaba criticar la injusticias sociales pero ahora por medio del teatro. Sobre el poder del teatro Lorca dijo, “The theatre is a school of weeping and of laughter, a free forum, where men can question norms that are outmoded or mistaken and explain with living example the eternal norms of the human heart” (Maurer, xiv). Como director, el escribió las obras famosas Bodas de Sangre, Yerma, y La Casa de Bernarda Alba que tenían mucho éxito y criticaban las normas de la sociedad burguesía.

            Durante este periodo, tensiones políticos estaban empeorando entre los Republicanos y los Nacionalistas, los dos grupos que estaban luchando para control de España. Mientras actos de violencia continuaba (como el asesinato de José Calvo Sotelo, un partidario del nacionalistas, por la Guardia de Asalto), Lorca decidió viajar a Granada para refugiarse. Su posición social y sus creencias fuertes en contra de fascismo y los nacionalistas le hizo un blanco obvio para las franquistas. Después de su detención, el fue fusilado por fuerzas nacionalistas el 19 de agosto por la mañana. Todavía hay una controversia sobre los motivos de su fusilamiento. Aunque algunos creen que sus ideas y creencias políticas fueron la razón por su muerte, otros sugieren que su homosexualidad fue el motivo para su asesinato.

Federico García Lorca, (1898 -1936) poeta y dramaturgo español del siglo XX, es reconocido como uno de los escritores de vanguardia con mayor popularidad en su época. Como poeta, sus obras fueron muy celebradas y exploran muchos de los asuntos de la sociedad y la significancia de ser humano. Como una persona marginada, el podía hablar con una perspicacia única que da fuerza y relevancia a sus opiniónes y observaciones.

Su asesinato, un acto brutal y violento, marcó su muerte. Un fin trágico pero irónicamente una buena representación de sus creencias sobre la muerte (un tema principal de sus obras). En su poema, “Llanto por Ignacio Sánchez Mejías,” un lamento para su amigo, Lorca escribe sobre la idea de muerte y el destino de la vida.

No quiero que le tapen la cara con pañuelos

para que se acostumbre con la muerte que lleva.

Vete, Ignacio: No sientas el caliente bramido.

Duerme, vuela, reposa: ¡También se muere el mar!

Las líneas finales ilustra la inevitabilidad de la muerte. Todo en el mundo, incluso el mar y él mismo, va a morir eventualmente. Pero notablemente, me parece que las palabras y creencias de Lorca han escapado la muerte y continúan a vivir en sus obras hoy en día.

¨What is peculiar to the Andalusian poet is course that he was murdered and that hatred, not poverty or neglect, played an important role in his physical annihilation and the ultimate anonymity of his body. A paradoxical end to a life, which, according to all those who knew him well, radiated friendliness and love.¨ (Durán and Colecchia, 1)

Bibliografia

Bibliografía

Arango, Manuel Antonio. Simbolo y Simbologia en la obra de Federico Garcia Lorca. Madrid: Printing Book S.L., 1995. Print.

Bonaddio, Federico, ed. A Companion to Federico García Lorca. Woodbridge: Tamesis, 2007. Print.

Durán, Manuel, and Francesca Colecchia, eds. Lorca's Legacy: Essays on Lorca's Life, Poetry, and Theatre. New York: P. Lang, 1991. Print.

Guardia, Alfredo De La. García Lorca, Persona Y Creación. 3rd ed. Buenos Aires: Schapire, 1944. Print.

Harris, Derek. Poeta en Nueva York. Grant & Cutler Ltd, 1979. Print.

Lorca, Federico García. Poeta En Nueva York. Ed. María Clementa. Millán. Madrid: Cátedra, 1987. Print.

Lorca, Federico Garcia. "Un Poeta En Nueva York." 1932. Web. 13 May 2014.

Introducción a Federico García Lorca Class Handout

La Generación del 27 Class Handout